Jackson Pollock: Künstler, Technik und Einfluss
Jackson Pollock ist nicht nur der Maler der Farbspritzer, die man auf den ersten Blick erkennt. Sein Atelier, seine Dripping-Technik und seine Art, die Bewegung über die gesamte Leinwand zu führen, schufen eine Bildsprache, die Kunst, Fotografie und Mode bis heute prägt.
Von Janus Djadja für Mode Vintage.
Wer ist Jackson Pollock, der Künstler des abstrakten Expressionismus?
Paul Jackson Pollock wird 1912 in Cody im US-Bundesstaat Wyoming geboren und wächst anschließend in Arizona und Kalifornien auf. 1930 geht er nach New York und studiert an der Art Students League bei dem Maler Thomas Hart Benton. Diese Ausbildung ist bedeutsam, weil sie einen Pollock zeigt, der weitaus planvoller arbeitet als die Karikatur des Malers, der wahllos Farbe auf die Leinwand wirft. Vor seinen großen abstrakten Gemälden erlernt er Zeichnung, Komposition und Wandmalerei. Außerdem arbeitet er im Rahmen des Federal Art Project der Works Progress Administration, das ihm ermöglicht, seine künstlerische Tätigkeit während der 1930er-Jahre fortzusetzen.
Sein Werdegang wird zu dieser Zeit von mehreren Strömungen geprägt. Bentons Regionalismus vermittelt ihm ein Gespür für weit ausgreifende Rhythmen. Die mexikanischen Wandmaler zeigen ihm, wie eine Komposition den ganzen Körper des Betrachters einbeziehen kann. Der Surrealismus eröffnet einen Weg zum Automatismus, zum Unbewussten und zum Zufall. Pollock kopiert diese Vorbilder nicht. Nach und nach führt er sie in einer Malerei zusammen, in der die Linie zu einem Ereignis wird, statt den Umriss eines Gegenstands zu bilden.
1943 gibt Peggy Guggenheim bei ihm Mural für ihre New Yorker Wohnung in Auftrag. Dieses monumentale Gemälde entsteht vor der vollständig entwickelten Dripping-Technik, zeigt jedoch bereits eine ununterbrochene Energie, eine lebendige Farbpalette und eine Art, den gesamten Raum einzunehmen. Im selben Jahr widmet Guggenheim ihm in ihrer Galerie Art of This Century seine erste Einzelausstellung. Ihre Unterstützung hilft dem Maler, sich ganz seiner Arbeit zu widmen und einen Platz in der amerikanischen Avantgarde einzunehmen.
Pollock heiratet 1945 die Künstlerin Lee Krasner. Das Paar zieht nach Springs in der Nähe von East Hampton in ein Haus, dessen Scheune zum Atelier wird. Dort entwickelt Pollock ab 1947 die Schüttbilder, die ihn international berühmt machen. Er stirbt 1956 bei einem Autounfall. Seine Karriere ist kurz, verändert jedoch dauerhaft die Betrachtung eines Gemäldes und das Bild des Künstlers bei der Arbeit.
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Vintage-Hemden ansehenJackson Pollock in seinem Atelier: eine neue Art zu malen
Das Atelier in Springs verändert Pollocks Verhältnis zur Leinwand. Er legt eine ungespannte Leinwand auf den Boden und bewegt sich um sie herum. So kann er von allen vier Seiten arbeiten, sich vorbeugen, zurücktreten, eine Stelle erneut bearbeiten und die Höhe variieren, aus der die Farbe herabfällt. Das Pollock-Krasner House and Study Center weist darauf hin, dass diese bescheidene Scheune damals weder beheizt war noch Strom hatte. Der Ort hat nichts von der spektakulären Kulisse, die die Legende im Nachhinein daraus machte. Seine Stärke liegt in dem freien Raum rund um die Leinwand.
Der Begriff Dripping bezeichnet das Fließen oder Tropfen der Farbe. Pollock verwendet Stöcke und verhärtete Pinsel und gießt die Farbe manchmal direkt aus der Dose. Er bevorzugt flüssige Farbe, die der Geschwindigkeit seines Arms und den Bewegungen seines Körpers folgen kann. Analysen des Hirshhorn Museum zeigen, wie sich seine Materialien entwickelten. Im Jahr 1943 verbindet Composition with Pouring II noch mit dem Pinsel aufgetragene Künstlerfarben mit schwarzer, tropfend aufgebrachter Industriefarbe. In Number 3, 1949: Tiger überwiegen handelsübliche Farben auf Alkydharzbasis, die seinem Bedürfnis nach fließenden Eigenschaften besser entsprechen.
Dieser Wechsel des Werkzeugs verändert die Bedeutung der Linie. Eine mit dem Pinsel gezogene Linie entsteht durch den Kontakt mit der Oberfläche. Bei Pollock kann sie sich bereits in der Luft formen, bevor sie auf der Leinwand landet. Ihre Breite hängt von der Viskosität, der Höhe, der Geschwindigkeit und der Fließmenge ab. Eine schnelle Schleife zieht sich in die Länge. Eine Pause erzeugt einen dichteren Tropfen. Zwei kurz nacheinander aufgetragene Farben können sich vermischen, während eine getrocknete Schicht den nächsten Farbauftrag deutlich erkennen lässt. So bewahrt das Gemälde die Spuren einer Abfolge körperlich ausgeführter Entscheidungen.
Die 1950 von Hans Namuth aufgenommenen Fotografien prägten dieses Bild des Künstlers in Bewegung. Sie zeigen Pollock, wie er konzentriert über großen, auf dem Boden liegenden Leinwänden arbeitet. Ihre Veröffentlichung in ARTnews im Jahr 1951 macht seine Methode einem breiten Publikum sichtbar. Das Atelier wird beinahe so berühmt wie die Werke. Diese Sichtbarkeit erklärt einen Teil seines Einflusses: Jeder versteht, dass das Gemälde eine Bewegung nicht nur darstellt, sondern auch ihren Verlauf festhält.
Pollocks Technik: Zufall, aber vor allem Kontrolle
Die Bekanntheit des Drippings fördert eine irreführende Vorstellung: Es genüge, Farbe auf eine Fläche zu spritzen, um einen Pollock zu schaffen. Die genaue Betrachtung seiner Werke erzählt eine andere Geschichte. Pollock lässt die Wirkung der Schwerkraft, den Schwung des Arms und materialbedingte Zufälle zu, doch er beobachtet, entscheidet und arbeitet weiter. Einige Bereiche sind dicht, andere lassen die Leinwand atmen. Dicke Linien liegen neben dünnen Fäden. Matte und glänzende Partien verändern das Licht. Dieses Vokabular entsteht Schicht für Schicht.
Die vom MoMA durchgeführte Konservierungsarbeit an One: Number 31, 1950 macht sehr unterschiedliche Bewegungen erkennbar. Straff gezogene Farbfäden deuten auf einen schnellen Auftrag hin. Feuchte Vermischungen zeigen, dass mehrere Farben in kurzen Abständen aufgebracht wurden. Gleichmäßige, später entstandene braune Läufe weisen sogar darauf hin, dass Pollock vermutlich bestimmte Details überarbeitete, als die Leinwand senkrecht stand. Der mit der Arbeit am Boden verbundene Maler konnte sein Bild also auch an der Wand vollenden.
Diese Verbindung von Offenheit und Kontrolle ist entscheidend, um seinen Stil zu verstehen. Der Zufall eröffnet eine Möglichkeit, ist aber keine endgültige Entscheidung. Pollock stimmt die Dichte, das Gleichgewicht der Flächen und die Richtung der Linien aufeinander ab. Sein Blick bleibt aktiv, während sein Körper arbeitet. Das Ergebnis besitzt weder ein einziges Zentrum noch ein unmittelbar erkennbares Motiv. Der Blick kann beinahe überall einsteigen, einer Schleife folgen, eine Linie unter einer anderen verlieren und anschließend wieder auf eine freie Stelle der Leinwand treffen.
Genau das macht sein Werk auch zu einer wertvollen Anregung für einen Vintage-Stil. Ein ausdrucksstarkes Outfit muss nicht sämtliche Retro-Merkmale miteinander kombinieren. Es kann auf einem dominierenden Rhythmus, einer Wiederholung von Punkten, einer die Silhouette streckenden Linie oder einer an drei Stellen wiederkehrenden Farbe beruhen. Pollocks Gestik wird dadurch nicht zu einem modischen Rezept. Sie lehrt vielmehr, Energie zu verteilen, ohne den Blick erstarren zu lassen.
Welche Werke von Jackson Pollock sollte man sich ansehen?
Mural, 1943 gemalt, markiert einen entscheidenden Übergang. Der Auftrag von Peggy Guggenheim bietet Pollock ein außergewöhnliches Format. Die Bewegungen scheinen die Fläche bereits vollständig zu durchqueren, auch wenn das Gemälde noch nicht zur klassischen Phase der Schüttbilder gehört. Technische Untersuchungen haben zudem die Legende widerlegt, das Werk sei in einer einzigen Nacht entstanden. Sein Aufbau entwickelte sich über mehrere Tage, wenn nicht sogar mehrere Wochen hinweg, mit nassen Farbschichten und Überarbeitungen auf getrockneter Farbe.
Number 1A, 1948 zeigt anschließend, wie das Dripping zu einer vollständig ausgeprägten Bildsprache wird. In der Komposition erscheinen Handabdrücke. Zu dieser Zeit verzichtet Pollock bei mehreren Werken auf bildhafte Titel und verwendet stattdessen Nummern. Lee Krasner wird später erklären, dass diese Nummern dazu einladen, die Malerei um ihrer selbst willen zu betrachten. Diese Entscheidung verzichtet auf eine vorgegebene Erzählung und stellt den Betrachter unmittelbar vor Material, Bewegung und Rhythmus.
One: Number 31, 1950 führt diese Suche im monumentalen Maßstab fort. Fäden in Schwarz, Weiß, Grau, Blau und Braun kreuzen sich auf der hellen Leinwand. Die Komposition wirkt üppig, doch zwischen den Farbnetzen bleiben freie Räume. Das Werk verdichtet Pollocks Ruf in einer Oberfläche, auf der die Geschwindigkeit sichtbar wird, ohne die Ordnung aufzuheben.
Schließlich erinnert Echo: Number 25, 1951 daran, dass sich der Künstler nicht darauf beschränkte, seine großen polychromen Gemälde zu wiederholen. Er reduziert seine Palette auf Schwarz und lässt Formen wieder hervortreten, die an Gegenständlichkeit grenzen. Das MoMA beschreibt dieses Werk als Bruch mit der multidirektionalen Energie des Vorjahres. Die Betrachtung dieser vier Etappen verhindert, dass Pollock auf einen dekorativen Effekt reduziert wird. Sein Stil verändert sich, wird konzentrierter und stellt sich selbst infrage.
Von Vogue bis auf die Laufstege: Wie Pollock die Mode beeinflusst
Die Verbindung zwischen Pollock und der Mode wird schon früh sichtbar. Im März 1951 fotografiert Cecil Beaton für Vogue eine Serie, in der Models vor Pollocks Gemälden posieren, die in der Betty Parsons Gallery ausgestellt sind. Die raffinierten Kleider treffen auf Farbnetze, die den Bildrahmen scheinbar ignorieren. Dieser Kontrast ist mehr als eine dekorative Kulisse. Er rückt die Mode in die unmittelbare Nähe der amerikanischen Avantgarde.
Diese Bilder zeigen auch, weshalb sich sein Werk so gut auf Kleidung übertragen lässt. Aus der Ferne kann das Dripping als Farbfläche wahrgenommen werden, aus der Nähe hingegen als Geflecht von Linien. Ein bedruckter Stoff funktioniert häufig auf die gleiche Weise. Die Silhouette erzeugt zunächst einen Gesamteindruck. Je näher man kommt, desto mehr Details gibt das Muster preis. Wenn die Person geht, fügen die Falten der dargestellten Bewegung eine tatsächliche Bewegung hinzu.
Im Laufe der Jahrzehnte greifen Designer das Spritzen, das Fließen oder das Malen als gestischen Akt auf. Vogue nennt insbesondere Kleider von Dolce & Gabbana aus dem Jahr 2008, Schuhe von Thom Browne aus dem Jahr 2013 und Mäntel, die Raf Simons 2014 gemeinsam mit Sterling Ruby entwarf. Die Modenschau von Alexander McQueen, bei der Roboter ein helles Kleid mit Farbe besprühen, bleibt ein weiterer prägender Moment. In jedem dieser Fälle geht der Bezug über einen bloßen Druck hinaus: Die Herstellung selbst wird zur Performance.
Diese Nachwirkung tritt in einen Dialog mit anderen Begegnungen zwischen Kunst und Mode. Die Pop Art von Andy Warhol arbeitet mit Wiederholung und populären Bildern. Jean-Michel Basquiat verbindet Schrift und Zeichen mit urbaner Energie. David Hockney lenkt den Blick durch seine kräftigen Farben. Pollock nimmt eine andere Stellung ein: Er macht die Spur eines handelnden Körpers unmittelbar erkennbar.
Wie lässt sich Pollocks Bildsprache in einen Vintage-Look übertragen?
Dieses Erbe zu tragen bedeutet nicht, nach der Kopie eines Gemäldes zu suchen. Der beste Ausgangspunkt ist der Rhythmus. Ein Vintage-Kleid mit Punkten wiederholt eine einfache Form über die gesamte Silhouette. Ein Hemd mit grafischen Linien erzeugt unterschiedliche Richtungen. Ein farbenfrohes Muster bringt mehrere Intensitäten zusammen. In allen drei Fällen wandert der Blick, statt auf einem einzigen Detail zu verharren.
Wählen Sie für einen Themenabend zunächst das Kleidungsstück, das den Ton des Outfits angeben soll. Wenn das Kleid ein dichtes Muster trägt, können Schuhe und Tasche eine einzige Farbe daraus aufgreifen. Wenn das Hemd bereits mehrere Linien vereint, gibt ihm eine einfarbige Hose den nötigen Raum. Diese Hierarchie erzeugt eine Silhouette, die auf Fotos klar wirkt und in der Bewegung lebendig wird. So beansprucht nicht jedes Accessoire gleichzeitig die Aufmerksamkeit.
Der Kontrast bietet einen zweiten Ansatz. Pollock legt häufig Helles über Dunkles, Mattes über Glänzendes, feine Fäden über schwerere Farbflächen. In einem Look kann daraus ein Gegensatz zwischen einem schwarz-weißen Muster und einem farbigen Accessoire oder zwischen einem fließenden Kleidungsstück und einer stärker strukturierten Jacke entstehen. Das Ziel bleibt, eine angenehme Spannung zu erzeugen und kein Werk nachzubilden.
Lassen Sie schließlich einen ruhigen Bereich bestehen. In einem Gemälde von Pollock ist die unbedeckte Fläche Teil der Komposition. Bei einem Outfit geben ein schlichter Schnitt oder eine einfarbige Fläche dem Muster den Raum, den es benötigt. Diese Regel funktioniert auch bei der Einrichtung. Ein Poster im Stil der 80er-Jahre mit vielen Farben kommt an einer freien Wand besser zur Geltung, wenn es von einigen ausgewählten Objekten umgeben ist, statt in einer Ansammlung unterzugehen.
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Poster im Stil der 80er-Jahre ansehenWarum ist der Einfluss von Jackson Pollock bis heute aktuell?
Pollocks Einfluss beruht zunächst auf einer leicht verständlichen Vorstellung: Die Malerei zeichnet eine Bewegung auf. Diese Idee kann von der Leinwand auf die Kleidung, von der Kleidung auf die Fotografie und schließlich von der Fotografie auf das Schauspiel einer Modenschau übergehen. Sie bleibt aktuell, weil sie das Ergebnis mit dem Prozess verbindet. Man sieht nicht nur Farben. Man stellt sich den Arm, die Geschwindigkeit, das Innehalten und die erneute Bewegung vor, durch die sie aufgetragen wurden.
Sein Vermächtnis erinnert auch daran, dass ein wiedererkennbarer Stil aus stimmigen Entscheidungen entsteht. Pollock verändert den Bildträger, das Werkzeug, die Haltung des Körpers und die Fließfähigkeit der Farbe in ein und dieselbe Richtung. Die Wirkung entsteht daher nicht durch einen einzelnen Effekt, sondern durch ein System. Darin liegt eine wertvolle Lektion für die Zusammenstellung eines Retro-Outfits: Eine Wiederholung, eine Farbpalette und eine Silhouette können genügen, um eine eigene Welt entstehen zu lassen.
Diese Art, eine visuelle Identität aufzubauen, verbindet Pollock mit sehr unterschiedlichen Künstlern. Die Farben von Georgia O’Keeffe, Warhols Popkultur oder Basquiats Zeichen öffnen jeweils eine andere Tür. Der Vergleich dieser Ansätze hilft, Vintage-Mode als eine Sprache der Formen und nicht als starres Kostüm zu betrachten. Ein neues Kleidungsstück mit Retro-Inspiration kann so von einem Jahrzehnt erzählen und zugleich ganz in der Gegenwart bleiben.
Schließlich bezeichnet der Name Pollock in der Alltagssprache weiterhin ein Netz aus Spritzern und Farbläufen. Diese unmittelbare Wiedererkennbarkeit ist ebenso sehr ein Erfolg wie eine Falle. Sie beweist die Kraft seiner Erfindung, kann aber die langsame Entwicklung verdecken, die sie erst ermöglicht hat. Die Rückkehr zum Atelier, zu den Materialien und zu den Werken macht hinter dem Muster erneut ein Denken über Rhythmus, Raum und Blick sichtbar.
Häufig gestellte Fragen zu Jackson Pollock
Welche Rolle spielte Lee Krasner in der Karriere von Jackson Pollock?
Lee Krasner war eine eigenständige Künstlerin und mit der New Yorker Avantgarde vertraut. Ihre Heirat im Jahr 1945 und ihr Umzug nach Springs fallen in eine entscheidende Phase von Pollocks Arbeit. Später setzte sich Krasner für sein Werk ein und bewahrte sein Vermächtnis.
Warum tragen Pollocks Gemälde häufig Nummern?
Ende der 1940er-Jahre verzichtet Pollock bei mehreren Werken auf bildhafte Titel und verwendet stattdessen Nummern. Lee Krasner wird später erklären, dass diese Neutralität das Publikum dazu einlud, die Malerei selbst zu betrachten, ohne zuerst nach einer vom Titel vorgegebenen Geschichte zu suchen.
Bezeichnen Dripping und Action Painting dasselbe?
Dripping bezeichnet eine Technik, bei der Farbe gegossen und gespritzt wird. Action Painting ist ein weiter gefasster Begriff, der die Geste, den körperlichen Einsatz und den schöpferischen Prozess betont. Pollocks Dripping wurde zu einem seiner bedeutendsten Beispiele.
War Jackson Pollock der erste Künstler, der Farbe fließen ließ?
Andere Künstler hatten bereits vor ihm mit flüssiger Farbe experimentiert. Pollocks Beitrag liegt in dem Umfang, der Konsequenz und der Kontrolle, mit denen er dieses Verfahren auf großen, von mehreren Seiten bearbeiteten Leinwänden organisierte.
Malte Jackson Pollock ausschließlich sehr farbenfrohe Werke?
Sein Schaffen beschränkt sich nicht auf die großen polychromen Netze der Jahre 1948 bis 1950. 1951 entwickelt er insbesondere schwarze Gemälde wie Echo: Number 25, 1951, in denen erneut Formen erscheinen, die sich der Gegenständlichkeit annähern.
Quellen
- Smithsonian American Art Museum, Jackson Pollock, Biografie, Ausbildung und Entwicklung des Action Painting.
- Pollock-Krasner House and Study Center, The Studio, Beschreibung des Ateliers in Springs und der Arbeit rund um die auf dem Boden liegende Leinwand.
- Susan Lake, Eugena Ordonez und Michael Schilling, « A Technical Investigation of Paints used by Jackson Pollock in his Drip or Poured Paintings », Modern Art, New Museums, 2004, S. 137 bis 141, vom Hirshhorn Museum zitierte Studie.
- Museum of Modern Art, Werkbeschreibungen zu One: Number 31, 1950, Number 1A, 1948 und Echo: Number 25, 1951, Beschreibungen der Werke, der Materialien und des Arbeitsprozesses.
- Solomon R. Guggenheim Museum, Away from the Easel: Jackson Pollock’s Mural, Auftrag aus dem Jahr 1943 und Entwicklung hin zur gestischen Abstraktion.
- Peggy Guggenheim Collection, Jackson Pollock, Biografie, Ausstellungen und Entwicklung des Drip Style ab 1947.
- Vogue, Jackson Pollock’s Fashion World Influence in 10 Images, Serie von Cecil Beaton aus dem Jahr 1951 und Nachwirkung von Pollocks Gestik in der Mode.
